Wer ist «Ich»? Und bin ich noch «Ich», wenn ich viele bin? Oder bin ich nur «Ich» durch «Dich»?
In «Bin ich das? Ein Solo für Viele» setzt sich die Künstlerin und Swiss Art Award-Preisträgerin Sarah Hugentobler mit Fragen rund um Identität und Wahrnehmung auseinander. Mit Lip-Sync, Videoprojektionen und viel Humor leiht sie ihren Körper den Stimmen dreier ganz unterschiedlicher Menschen. Was passiert, wenn Stimme und Erscheinung nicht zusammenpassen? Und wo verschwimmen die Grenzen zwischen Ich und Du?
Am 24. Oktober ist die Performance im Phönix Theater in Steckborn und am 27. November in der Bachturnhalle in Schaffhausen zu sehen. Im Interview erzählt sie, wie das Stück entstanden ist, welche Herausforderungen sie dabei gemeistert hat und was sie daran fasziniert, den Stimmen anderer Menschen ihren Körper zu leihen.
Schlachthaus Theater – Sarah Hugentobler, «Bin ich das? Ein Solo für Viele» © Ben Zurbriggen
Welches Verhältnis hast du zu Theater und Rollenspielen? Wie bist du dazu gekommen?
Ich habe schon vor meinem Kunststudium Theater gespielt und fand es immer faszinierend. Gleichzeitig habe ich gemerkt, dass ich in Theaterproduktionen vor allem in der ausführenden Rolle war und selbst kreieren wollte. Ich wollte meine eigene künstlerische Sprache entwickeln und habe mich deshalb für ein Studium der bildenden Kunst entschieden. Das Theater habe ich aber immer ein bisschen vermisst.
Ich habe mich dann vor allem dem Video gewidmet und dabei eine eigene Arbeitsweise entwickelt, in der ich meine Figuren selbst spiele und mit Lip-Sync arbeite. So konnte ich bereits performen, allerdings vor der Kamera und nicht live. Mich hat es immer interessiert, als bildende Künstlerin mit anderen Disziplinen in Kontakt zu kommen. Als ich anfing, Videos für Theaterproduktionen zu machen, merkte ich, wie spannend es ist, Video und Live-Situationen miteinander zu verbinden.
Deshalb habe ich mich entschieden, einen Performance-Master an der HKB in Bern zu machen. Dort kamen Menschen aus ganz unterschiedlichen Disziplinen zusammen, etwa aus der bildenden Kunst, dem Schauspiel, der Musik und dem Tanz. In diesem Rahmen konnte ich ausprobieren, wie ich meine Arbeit mit Video und Lip-Sync auf die Bühne übertragen kann. Ich habe dort zum ersten Mal live Lip-Sync gemacht und dabei habe ich gemerkt, wie gut das funktioniert und wie viel Spaß mir das Auftreten macht. Seitdem weiß ich, dass ich diesen Weg weiterverfolgen möchte.
Wie ist die Idee zu «Bin ich das? Ein Solo für Viele» entstanden? Gab es einen konkreten Moment, eine Begegnung oder eine Frage, die den Ausgangspunkt bildete?
«Bin ich das? Ein Solo für Viele» ist mein erstes abendfüllendes Bühnenstück. Es ist eine Koproduktion mit dem Schlachthaus Theater in Bern, wo im letzten Herbst die Premiere stattfand.
Der Ausgangspunkt war eine kürzere Performance mit dem Titel «Floating Knights». Dafür habe ich zum ersten Mal Interviews geführt und mit drei unterschiedlichen Männern gesprochen. Es war auch meine erste Performance ohne Video. Dabei habe ich entdeckt, wie faszinierend ich die Sprechweise von Menschen in privaten Gesprächen finde.
Wenn ich mich mit jemandem unterhalte, versuche ich, einen Raum zu schaffen, in dem sich die Person wohlfühlt und frei erzählen kann. Zu diesem freien Erzählen gehört für mich auch, dass Menschen ihre Sätze erst beim Sprechen entwickeln. Sie versprechen sich, machen Denkpausen, lachen oder husten. Ich finde es unglaublich interessant, diese Eigenheiten in der Performance zu reproduzieren, also beispielsweise auch einen Versprecher nachzuspielen. Dabei habe ich gemerkt, dass Sprache nicht nur aus Informationen besteht, sondern auch aus Klang und Rhythmus. Ich übe die Aufnahmen sehr musikalisch ein und muss sie oft wiederholen, bis ich mir ihren Rhythmus eingeprägt habe.
Mich interessieren besonders Gespräche mit Menschen, die es nicht gewohnt sind, vor einem Mikrofon zu sprechen oder in der Öffentlichkeit zu stehen. Ihre Art zu erzählen hat eine besondere Qualität, die ich sehr spannend finde. Aus dieser Beschäftigung mit privaten Gesprächen ist schließlich auch «Bin ich das? Ein Solo für Viele» entstanden.
Schlachthaus Theater – Sarah Hugentobler, «Bin ich das? Ein Solo für Viele» © Ben Zurbriggen
Du hast dich letztlich auf drei sehr unterschiedliche Menschen konzentriert. Was hat dich an ihren Geschichten interessiert?
Zum Beispiel habe ich für das Stück ein neunjähriges Mädchen interviewt, das mir ihr Puppenhaus erklärt hat. Solche Geschichten hört man normalerweise nicht im Radio oder Fernsehen. Mich interessieren genau solche ungewöhnlichen Einblicke.
Ursprünglich hatte ich vor, acht bis zwölf Menschen zu interviewen. Dann habe ich aber gemerkt, dass die drei Personen, mit denen ich gesprochen hatte – ein Mädchen, eine Künstlerin und der Nachbar meiner Eltern –, bereits so viel Material lieferten, dass ich mich lieber intensiver mit ihnen beschäftigen wollte. Aus diesen drei Gesprächen ein Stück zu entwickeln, wurde zum Konzept.
Dabei war von Anfang an Teil des Konzepts, dass ich noch nicht wusste, was die Menschen erzählen würden. Als ich das Projekt für Förderungen einreichte, standen die Form und die Arbeitsweise bereits fest: Ich wollte mit Videoprojektionen und einer Videofigur arbeiten und einen tragbaren Lautsprecher einsetzen, sodass die Stimmen direkt aus meinem Körper zu kommen scheinen. Über Lip-Sync und Körpersprache interpretiere ich sie dann auf der Bühne. Was die Menschen tatsächlich erzählen würden, war dagegen noch offen – und genau diese Offenheit gehörte zum Konzept.
Was war die größte Herausforderung bei der Entwicklung dieses Stücks?
Die größte künstlerische Herausforderung war, aus dieser festgelegten Form und den ganz unterschiedlichen Geschichten ein ganzes Stück zu entwickeln. Ich habe mich intensiv mit den drei Personen auseinandergesetzt und versucht, Verbindungen zwischen ihnen und auch zu mir selbst zu finden. Mein Wunsch war, mich so tief in ihre Geschichten einzuarbeiten, dass ich dem Publikum vermitteln kann, was mich an diesen Menschen fasziniert.
Gleichzeitig ist das, was auf der Bühne entsteht, natürlich auch mein ganz persönlicher Blick auf sie. Ich kann die Personen nicht einfach dokumentarisch abbilden. Indem ich ihre Stimmen und Geschichten in einen künstlichen Theaterkontext setze, entstehen Figuren, die auch von meiner Wahrnehmung geprägt sind. Das wirft für mich Fragen nach Verantwortung und Macht auf: Ich entscheide, was ich aus ihren Erzählungen mache, während sie darauf keinen Einfluss mehr haben. In gewisser Weise sind sie meine Puppen in meinem Puppenhaus. Gleichzeitig werde ich während der Aufführung selbst zur Marionette ihrer Stimmen, weil ich ihnen ganz genau folgen muss – bis hin zum Atmen oder Räuspern. Mich interessieren diese unterschiedlichen Machtverhältnisse, die in der Arbeit miteinander entstehen.
Schlachthaus Theater – Sarah Hugentobler, «Bin ich das? Ein Solo für Viele» © Ben Zurbriggen
Wie hast du die Geschichten und Stimmen dann in konkrete Bühnensituationen übersetzt?
Das war eine weitere große Herausforderung, denn es gab sehr viel Text. Ich wollte nicht einfach eine Stunde lang dastehen und Lip-Sync machen, sondern die Geschichten in den Theaterraum übersetzen.
Dabei kam mir wieder das Puppenhaus des Mädchens in den Sinn. Wenn sie erzählt, wo ihre Mutter, ihr Vater und der Hund im Puppenhaus sitzen, zeige ich auf Menschen im Publikum. Wenn sie sagt, dass ein Licht kaputt ist, zeige ich auf die Theaterbeleuchtung. Ähnlich gehe ich mit den Geschichten der anderen beiden Personen um. Der Nachbar meiner Eltern erzählt zum Beispiel von seinem Haus, das er selbst umgebaut hat. Auch diese Geschichte übertrage ich auf den Theaterraum. Solche konkreten Verbindungen zu finden, war für mich entscheidend.
Was hast du durch die Arbeit am Theater über die Unterschiede zur bildenden Kunst gelernt – und was kannst du aus beiden Bereichen jeweils für deine weitere Arbeit mitnehmen?
Die Produktionsbedingungen am Theater waren neu für mich. Ein ganzes Stück auf die Beine zu stellen, bedeutet viel organisatorischen und administrativen Aufwand: Ich muss Geld auftreiben, ein Team zusammenstellen und Produktionspartner finden. Das ist anspruchsvoll und ich lerne bis heute dazu.
Am Theater finde ich toll, dass ich vor einem Live-Publikum auftreten und ein ganzes Stück entwickeln kann. Außerdem lassen sich größere Projekte umsetzen, bei denen ich mit anderen Menschen zusammenarbeite und sie für ihre Arbeit bezahlen kann. Gleichzeitig ist die Organisation viel aufwendiger. In der bildenden Kunst schätze ich dagegen, dass man unkomplizierter experimentieren und auch einmal etwas ausprobieren kann, ohne anderthalb Jahre im Voraus planen zu müssen.
Ich möchte auch in Zukunft zwischen Theater und bildender Kunst wechseln und mir aus beiden Bereichen das mitnehmen, was mich interessiert. Ich finde es spannend, wie sie sich gegenseitig inspirieren und voneinander profitieren können.
Wo die Performance als Nächstes zu sehen ist:
Sa, 24. Oktober 2026 — 19.30 UHR
Sa, 27. November 2026 — 19.30 UHR
